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REPASA PARA TU EVALUACION

REPASA PARA TU EVALUACION FINAL

TEATRO

Los antiguos griegos eran apasionados al teatro.

La palabra "Teatro" viene del griego theatron (lugar para ver) y este del verbo thea (mirar).

Los griegos construyeron anfiteatros que eran teatros al aire libre.

Estaban formados en círculos escalonados que permitan a los de más atrás estar más alto para poder ver el espectáculo.

La palabra "Amfiteatro" viene de amphitheatron formada de amphi (alrededor) y thearon.

DIRECTOR DE TEATRO

 

 

Dirigir obras dramáticas seleccionando, ensayando y adaptando el contenido de la obra a la interpretación que desea realizar en función de los recursos, objetivos y requerimientos de la misma y con vista a su presentación, a fin de optimizar las obras teatrales en el contexto de las artes escénicas.

 

FUNCIONES, ACTIVIDADES Y/O TAREAS

• Estudia e interpreta las obras teatrales y dirige los ensayos con miras a su presentación.
• Define la línea estética e ideológica del espectáculo u obra.
• Discute con los especialistas y técnicos para determinar la escenografía, sonido y efectos especiales, vestuario, coreografía, música, maquillaje, utileria, etc, de la obra.
• Coordina y elabora un plan de trabajo para unificar las diferentes técnicas de actuación con la finalidad de producir un hecho estético y unitario.
• Selecciona el personal artístico a intervenir en las obras mediante el casting
• Asigna el material tales como: guiones y personajes, etc, a los actores y el equipo técnico (luminitos, escenógrafos, coreógrafos y vestuaristas) que van a intervenir en la obra.
• Dirige los ensayos con los actores y el equipo técnico, induciendo y ordenando en los mismos la interpretación que desea de la obra.
• Coordina en el montaje de la obra, el trabajo de los especialistas de sonido, iluminación, decoradores, etc.
• Supervisa, controla y evalúa el personal a su cargo.
• Coordina conjuntamente con su superior inmediato todo lo concerniente a las presentaciones de las obras.
• Promueve y dicta talleres de formación en el campo de las artes escénicas.
• Elabora y entrega a su superior inmediato informe trimestral de las actividades desarrolladas por él o los grupos bajo su responsabilidad.
• Solicita a su superior inmediato las herramientas de trabajo necesarias para el desarrollo de sus funciones.
• Entrega a su superior inmediato anualmente y con la antelación requerida la programación anual de una o varias agrupaciones bajo su responsabilidad.
• Cumple con las normas y procedimientos en materia de seguridad integral, establecidos por la organización.
• Mantiene en orden equipo y sitio de trabajo, reportando cualquier anomalía.
• Elabora informes periódicos de las actividades realizadas.
• Realiza cualquier otra tarea afín que le sea asignada.

EL TEATRO NACIONAL

Yuyachkani

Yuyachkani, palabra quechua que significa “estoy pensando”, “estoy recordando”, es un Grupo Cultural reconocido mundialmente como uno de los máximos exponentes del Teatro peruano y latinoamericano. A decir de la crítica e investigadora Ileana Diéguez: "no es solo un productor de espectáculos, sino, y esencialmente, un centro de investigación de las tradiciones culturales latinoamericanas, un laboratorio permanente de formación y desarrollo del arte del actor y los lenguajes escénicos".
Yuyachkani es una institución independiente, símbolo de lo peruano, que recorre caminos de búsqueda sustentados en el estudio del comportamiento escénico del actor desde la perspectiva de una cultura de grupo, en los que concurren fuentes y técnicas diversas, tanto tradicionales como contemporáneas.
En estos casi 40 años de trabajo continuo, sus obras, su pedagogía y su Centro Cultural, están dirigidos y relacionados con la sociedad y la diversidad cultural peruana involucrando en un acto reflexivo y apasionante al espectador. Yuyachkani hace un teatro para todos que muestra la gran diversidad peruana, encontrando justamente ahí su punto de inspiración, tomando como referencia los ritos, lo sagrado, el espacio andino, entre otros, para provocar una introspección en el pasado que nos hace entender el presente.
Yuyachkani en su múltiple recorrido por 24 países y 41 ciudades del interior del Perú a lo largo de su trayectoria, ha convocado a más de un millón de espectadores de todas las generaciones. Esto le ha valido importantes reconocimientos dentro y fuera del país.
La misión de Yuyachkani es estimular el desarrollo de las artes escénicas como un espacio de creación, de invención, que permita cambiar y transitar por los lenguajes más diversos para desarrollar formas genuinas de teatralidad nacidas de la necesidad de comunicar en un contexto propio.

EVALUA TUS CONOCIMIENTOS EN EL SIGUIENTE ENLACE:

 

SESION 05

SESIÓN 05

 

 

INICIO

 Para iniciar esta sesión de aprendizaje visualizaremos el siguiente vídeo:

 

 

 Responde a las siguientes preguntas:

1. ¿Esta obra teatral tiene su libreto?
2. ¿Todas la obras teatrales tienen libreto?

Atentos:

1. ¿Que características tiene el libreto?
2. ¿Quienes utilizan el libreto?
3. ¿Como se elabora un libreto?
    

PROCESO

EL LIBRETO

(GUIÓN TEATRAL)

 

El diálogo es el elemento principal de un guión de teatro. El desarrollo de los guiones de teatro consiste en la conversión entre dos o más personajes, por medio de los diálogos. Una obra de teatro se compone de los siguientes elementos:

 

ACTO

El acto es cada una de las partes separadas de la obra teatral: Acto 1, Acto 2, etcétera.

 

CUADRO

Parte del acto en que aparece la misma decoración.

 

ESCENA

Parte del acto en el que intervienen los mismos personajes.

 

ACOTACIONES

Son las indicaciones que señalan las entradas y salidas de los personajes, sus actitudes, ademanes y expresiones en general, además de los cambios de decorado, el lugar donde se realizan las acciones y todas las indicaciones que sirven para la ambientación y puesta en escena de la obra.

 

PERSONAJES

Personas o seres que le dan vida a los acontecimientos de la obra. Se clasifican en:

·         Principales. Son los más importantes dentro de la obra; si se quitaran, ésta ya no tendría sentido.

·         Secundarios. Siguen, en importancia dentro de la obra, a los principales. Acompañan y secundan a éstos.

·         Ambientales. Aparecen según las necesidades y circunstancias de la obra, también se les llama circunstanciales o incidentales.

 

Un libreto es una especie de librito donde está escrito lo que tienen que decir cada actor.

 

Ejemplo 1:

 

MARCELA     : Hola Martin

MARTÍN         : Hola Marcela.

 

Te imaginas si Martin en vez de decir su texto dice: Hola María....  Nadie entendería nada

 

En un libreto todo tiene relación con todo. Nada esta puesto porque sí. Los actores están conscientes de eso.

 

Un libreto se divide en tres partes por lo menos:

1.    Nombre.

2.    El texto

3.    Contexto y acciones

 

Explicaremos cada una de ellas

 

Primero explicaremos el NOMBRE. El nombre es el nombre del personaje que dice un texto. Este va siempre en MAYÚSCULA

 

Ejemplo 2:

JUAN  : (Juan mira a los ojos a Gaby) El amor se ve en tus ojos.

GABY : (Gaby mira a los ojos a Juan) El amor se ve en tus ojos.

 

En este ejemplo podemos ver que hay dos Nombres. El primero que es JUAN y el segundo que es Gaby. Se diferencian del resto del texto porque están escritos con mayúscula y adelante tienen dos puntos.

 

Ahora pasemos al TEXTO. El texto es lo que tiene que decir el actor. Esta escrito de forma clara.

 

Ejemplo 3:

JUAN: (Mira a los ojos a Gaby) El amor está en tus ojos.

GABY: (Mira a los ojos a Juan) El amor está en tus ojos.

 

En el ejemplo 3 se puede ver claramente cómo se distingue el texto.

·         No está encerrado entre paréntesis

·         Está escrito en forma clara

 

IMPORTANTE:

Los nombres de los personajes cuando se escriben en el texto, se lo deben hacer en forma normal (Gaby) y no todo con mayúscula (GABY)

 

 Ejemplo 4:

 JUAN: (Mira los ojos a Gaby) El amor, Gaby, está en tus ojos

 GABY: (Mira a los ojos a Juan) El amor, Juan, está en tus ojos

 

Para explicar el CONTEXTO Y LAS ACCIONES son las acciones y acotaciones que van entre paréntesis (xxxxxxxxxxxxxx), esta indican acciones, estados anímicos, ocurrencias externas, etc.

 

Ejemplo 5:

 JUAN: (Mira los ojos a Gaby) El amor, Gaby, está en tus ojos

 GABY: (Mira con asombro a Juan) El amor Juan, es lo que nos está pasando ahora.

 

SALIDA

 

Para evaluar tus conocimientos haz click en la siguiente imagen:

 



SESION 01

SESION 01: TIPOS DE MASCARAS

LA MASCARA EN LA DANZA

INICIO

Visualiza las siguientes mascaras:

 

Responde a las siguientes preguntas:

1. ¿Alguna de las mascaras observadas te parece conocido.?
2. ¿Sabes de que material estan confeccionadas?
3. ¿En que danza la haz observadado?
4. ¿Utilizaste alguna vez una mascara?
    

¿Serias capaz de hacer una organizacion de las mascaras de acuerdo al material que ha sido confeccionado?

PROCESO

LA MASCARA

Una máscara es una cobertura de la cara, que quien la usa comunica una identidad diferente a la propia; también puede ser como retrato o una pantalla protectora para la cara.

 

Esta es una definición enciclopédica, que dice poco en realidad de lo que es una máscara. Quizá estas dos sean más elocuentes:

"Con la mirada perdida y no obstante existente. . . siendo y no siendo "

Pablo Neruda.

 

"Es la mirada que no mira y mira"

Octavio Paz.

La máscara puede cubrir la cara solamente, la cabeza completa, o incluso las hay que cubren hasta los hombros.

 

La máscara, la otra cara, la otra identidad o representación, ha sido usada desde el Paleolítico por la mayoría de los grupos humanos en todas las épocas. La máscara disfraza, oculta y/o revela la identidad de quien la usa.

 

" Lento, amargo animal que soy, que he sido, amargo desde el polvo y agua y viento que en la primera generación del hombre pedía a Dios "

Jaime Sabines.

Hay innumerables variedades en sus diseños, desde los más simples en su elaboración y que se sostienen con la mano, hasta diseños realmente complicados, con piezas móviles que esconden otros rostros a su vez.

Los mascareros manifiestan toda su creatividad al seleccionar los materiales naturales disponibles en su medio. Dependiendo del lugar y de los recursos disponibles, se han realizado máscaras de madera, fibras naturales vegetales, hueso, obsidiana, metales y piedras diversas, pieles, plumas, conchas, etc.

Tanto el tratamiento de los materiales como el terminado de las máscaras han variado según la cultura, la época, el pueblo, la espiritualidad y sus significados. Han sido sencillas o muy talladas y elaboradas con adornos de mosaicos de piedra, oro, huesos, o de un sólo material.

Las máscaras, generalmente van acompañadas con un atuendo que cubre todo el cuerpo del usuario. Cuando es así, es importante notar la variedad tanto de materiales como de símbolos, que son complementarios a los de la máscara.

Los elementos morfológicos de máscaras, salvo algunas excepciones, se derivan de la naturaleza: zoomorfas o antropomorfas. En algunos casos, la forma de la máscara es una réplica de los rasgos naturales, pero en otras hay diferencias significativas o modificaciones y también las hay de abstracciones de los creadores. Pueden representar seres sobrenaturales ancestros, retratos, figuras reales o imaginarias.

La razòn de ser de una máscara, es que será habitada por los espíritus.

El cambio de identidad en el usuario de esa máscara, es vital, porque si el espíritu representado, no reside en la imagen de la máscara, el ritual en el que se use, será poco eficaz, y las plegarias, ofrendas y peticiones, no tendrán significado ni sentido.

Las máscaras pueden funcionar para contactar poderes espirituales de protección contra las fuerzas desconocidas del universo y el triunfo de la vida.

USOS Y FUNCIONES DE LA MASCARA

Así como la forma de las máscaras es muy variada, así lo son sus usos y funciones. Revisemos algunas:

 

Uso social y religioso.

" Un mito es un relato, situado en un momento y un lugar fuera de la historia, que describe en forma de ficción las verdades fundamentales de la naturaleza y de la vida humana".

Como ya hemos visto, algunas máscaras representaban espíritus potencialmente dañinos y eran usadas para mantener un equilibrio en los poderes y estructuras sociales de una cultura. Muchas veces mantenían un halo misterioso y secreto, tanto de la ceremonia y/o del ritual como de sus participantes.

 

También han tenido un papel disciplinario, de exhortación o castigo sobre todo para mujeres, niños o criminales. Este tipo de máscaras, comúnmente se acompaña con el atuendo que cubre el cuerpo completo de quien la usa. En muchas culturas a través del mundo, los jueces llevan máscaras para protegerse de futuras recriminaciones y se adjudica al espíritu del pasado la responsabilidad por la decisión o veredicto del juicio.

Los rituales nocturnos de algunas sociedades secretas, son para recordar las sanciones que merecen los infractores a las actividades respetadas por la tribu.

En ciertos grupos, se señalan fechas determinadas del año para recordar y venerar los espíritus de los ancestros. Esto se da principalmente en tribus que mantienen la tradición oral, sin escritura. Así mantienen la conexión con el pasado, sentido histórico y se fortalecen sus lazos sociales. En estas ocasiones las máscaras representan jefes, amigos parientes y hasta enemigos ya fallecidos. También se hacen ofrendas a los espíritus encarnados en las máscaras.

Las máscaras de iniciación se usan en ceremonias de grupos exclusivos ya sean de hombres o de mujeres. La iniciación de los jóvenes a la vida adulta, sus derechos y responsabilidades son transmitidas en secreto, con máscaras de algún mayor, en señal de sabiduría, y alguna máscara nueva que conserva el iniciado.

También existen iniciaciones religiosas secretas. Un selecto grupo que acompaña al nuevo participante en su tránsito por diversas experiencias iniciáticas, unas placenteras, otras aterradoras.

Los altos sacerdotes, curanderos y/o chamanes, con frecuencia tienen una máscara especialmente poderosa, misma que usan para exorcizar espíritus malignos, hacer predicciones, curaciones, localizar caza o pesca etc.

En algunas tribus existen máscaras con partes móviles, que muestran un animal y abajo una imagen humana. Esto significa el animal en el cual se puede transformar el chaman.

Usos funerarios.

"¡ Que costumbre tan salvaje esta de enterrar a los muertos! ¡ De matarlos, de aniquilarlos, de borrarlos de la faz de la Tierra ! Es tratarlos alevosamente, es negarles la posibilidad de revivir."

Jaime Sabines

En las culturas donde los atuendos funerales son importantes, se usan máscaras antropomorfas asociando la muerte con la salida de los espíritus. Las máscaras funerarias tienen los rasgos de las personas fallecidas, y su función es conectar el espíritu del muerto con el espíritu del mundo, además de honrar al difunto. También se usa la máscara para proteger al muerto de los espíritus malignos. (La máscara los asusta).

Dependiendo de la importancia del personaje, varían los materiales utilizados en su máscara: desde corteza de árbol, tela, hasta metales y piedras preciosas.

La máscara de cráneo o calavera fue usada también en diferentes ceremonias funerarias para evocar a los muertos.

Uso terapéutico.

"El gran mal del siglo XX, que forma parte de todas nuestras angustias y nos afecta a todos individual y socialmente, es la " pérdida del alma ". El alma se pierde, el ser se enferma. " Thomas Moore.

Las máscaras han tenido un papel importante en ritos mágico - religiosos para prevenir o curar enfermedades. En algunas culturas, miembros enmascarados han guiados a demonios enmascarados fuera de la tribu o pueblos. Estos curadores profesionales, hacen pantomimas, limpias y curaciones que ahuyentan los malos espíritus.

También existen máscaras que previenen o evitan el contagio de enfermedades epidémicas. Son máscaras de aspecto furioso con ojos terribles que asustan a los causantes del mal.

Desde que aparecieron las primeras sociedades agrícolas, aparecen las máscaras de la fertilidad y sus rituales, en los que generalmente se ofrenda parte de la cosecha anterior y se usan elementos del cultivo en las máscaras. Asociada con la fertilidad viene la máscara de la lluvia, de gran potencia, ya que significa la vida en todas sus dimensiones. Casi todos los grupos tienen un espíritu de la lluvia encarnado en su máscara específica.

Algunos grupos tienen rituales para la fecundidad y la iniciación sexual o matrimonial.

Usos Festivos y Teatrales

 

"La danza es un compendio de belleza, de movimiento y de colorido en donde destaca la máscara enmarcada en la opulencia del vestuario..." S. Toscano

En este siglo XX las máscaras son usadas generalmente en festividades. Tanto en Europa como en América Latina, están asociadas las fiestas a conmemoraciones religiosas o a cambio de estaciones, fin de ciclos, etc. Por ejemplo: Al fin del invierno en Austria y Suiza; danza de Moros y Cristianos en Semana Santa en México, antes de la cuaresma con el Carnaval en América Latina, etc.

Las máscaras han sido usadas universalmente en representaciones teatrales. Este uso surgió en el mundo occidental, desde los griegos, en sus prácticas religiosas. Las representaciones teatrales son una representación de la realidad. La máscara participa de manera entrañable ya que su forma física comunica, como el conjunto de la obra, una realidad. La variedad de máscaras en el teatro es tan extensa como el teatro mismo. Incluye, como la representaron los griegos, desde el drama y la comedia, el conflicto, el dolor, la tristeza hasta la alegría, el humor y el gozo.

TIPOS DE MASCARAS (POR SU MATERIAL)

1. De malla
2. De madera
3. De lata
4. De Yeso
5. De cuero
6. De lana
7. De tela

Elabora una lista con personajes que utilizan mascaras (minimo 5 personajes) de danzas de cada material y envialo al edmodo. en el siguiente enlace:

Haz CLICK en la imagen para envias tu tarea.



SESION 02

SESION 02 : EL TEATRO

INICIO

Visualiza el siguiente video:

Responde las siguientes interrogantes:

1. ¿A que genero teatral pertenece esta video?
2. ¿Cual es la caracteristica de este genero teatral?
3. ¿Que elementos utilizan estos actores?

Atento:

1. ¿Alguna vez realizaste alguna interpretacion de este genero teatral?
2. ¿Podrias crear un libreto y actuar?

 PROCESO

DEFINICIÓN DE TEATRO

El término teatro procede del griego theatrón, que puede traducirse como el espacio o el sitio para la contemplación.

El teatro forma parte del grupo de las artes escénicas. Su desarrollo está vinculado con actores que representan una historia ante una audiencia. Este arte, por lo tanto, combina diversos elementos, como la gestualidad, el discurso, la música, los sonidos y la escenografía.

Por otra parte, el concepto de teatro se utiliza para nombrar al género de la literatura que abarca aquellos textos pensados para su representación en escena, y también al edificio donde se representan las piezas teatrales.

Por ejemplo: “Un autor argentino recibió un importante premio por una obra teatral en Eslovenia”, “Te propongo que mañana vayamos al teatro”, “Mi sueño es ser actor de teatro y vivir de mi arte”.

 

La práctica teatral está formada por un todo que no puede dividirse. Es posible, sin embargo, distinguir tres elementos básicos, como el texto (aquello que dicen los actores), la dirección (las órdenes que dicta el responsable de la puesta en escena) y la actuación (el proceso que lleva a un actor a asumir la representación de un personaje). A estos componentes se pueden sumar otros elementos muy importantes, como el vestuario, el decorado o el maquillaje.

 

Cabe destacar que quienes escriben obras de teatro son conocidos como dramaturgos, aunque la definición específica del término hace referencia al escritor de dramas o de teatro dramático.

 

BREVE HISTORIA DEL TEATRO

 

Los orígenes históricos del teatro están asociados a la evolución de los rituales relacionados con la caza y con la recolección de frutos y alimentos propios de la agricultura, que desembocaron en ceremonias dramáticas a través de las cuales se rendía culto a las divinidades. Estos rituales también sentaban y reflejaban los preceptos espirituales del grupo social.

 

De todas formas, fue recién en la Grecia Clásica, cuando esta idea religiosa fue llevada a la perfección. Se crearon entonces las representaciones teatrales, donde la coreografía, la música, la recitación y el texto formaban un equilibrio inigualable. Entre los fundadores del teatro tal cual hoy lo concebimos se encontraron los creadores de las tragedias, tales como Esquilo, Sófocles y Eurípides, y de la comedia, género del que siempre ha resaltado Aristófanes. En dicha época tanto comedia como tragedia permitía expresar ideas políticas, sociales y religiosas, necesarias para entender el tiempo en el que se vivía.

 

En el Antiguo Egipto (a mediados del segundo milenio antes de Cristo), por ejemplo, solían representarse dramas con la muerte y la resurrección en Osiris. Ya por entonces se utilizaban disfraces y máscaras en las dramatizaciones.

 

A partir del Siglo XVI el teatro comenzó a alcanzar una gran popularidad en todo el mundo, surgiendo carros ambulantes que ofrecían espectáculos teatrales y anfiteatros creados con el mismo fin. En este período surgió el teatro nacional, que intentaba mostrar valores y elementos populares realzando la importancia de lo relativo a la patria. El español ocupa un lugar importante en este tipo de teatro y en él destacan las figuras de Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca. También en Inglaterra y Francia el teatro popular cobra gran importancia donde destacaron las obras de Shakespeare y de Corneille, Racine y Molière, respectivamente.

 

De este modo, el teatro es una de las disciplinas artísticas que puede identificarse con el tiempo en el que vive. Las obras teatrales responden al período en el que fueron creadas y permiten conocer a fondo los aspectos sociales, culturales y políticos que rodeaban la vida de su autor.

 

ALGUNOS NOMBRES IMPRESCINDIBLES EN EL TEATRO

 

Entre los autores que más han aportado al teatro se encuentra William Shakespeare. Nació el 25 de abril de 1564 en el Reino Unido y se dedicó a escribir obras de teatro y poesía, además era actor. Su vida ha sido puesta en entredicho en más de una ocasión, sobre todo su sexualidad, sus ideas religiosas e incluso la autoría de sus obras. De todas formas, no existen pruebas que permitan saber si dicho rumor es verdadero, así que de momento es Shakespeare uno de los autores teatrales de mayor prestigio. Entre sus obras destacan “Hamlet”, “Romeo y Julieta” y “Otelo”.

 

Lope de Vega es conocido como uno de los autores de teatro español más importantes de la península. Se cree que compuso más de 1.400 comedias y unas tantas tragedias. Sus obras se caracterizan por una originalidad poco común en su tiempo (rechazó el modelo clásico impuesto por los griegos), ofreciendo un teatro con carácter puramente nacional.

 

Además rompió con los esquemas aristotélicos que dividían al teatro en comedia y tragedia y en sus obras fusionó ambos estilos consiguiendo un estilo absolutamente nuevo y único. En sus obras se resalta el honor del pueblo, de los viejos y los campesinos, por mencionar algunas: “El mejor alcalde”, “Fuenteovejuna”, “El villano en su rincón”, “La estrella de Sevilla” y “El Caballero de Olmedo”.

 

Entre los autores teatrales franceses destacan Jean Racine y Molière.

 

Jean Racine nació en 1639 y se hizo famoso rápidamente con su tragedia “Andrómaca”. Posteriormente escribió “Británico”,”Mitrídates” y “Fedra”, entre otras. Se dice que con Racine la tragedia con un estilo clásico alcanzó su mayor esplendor, muchos críticos lo mencionan como el autor teatral por excelencia. Sus obras se caracterizan por presentar una acción clara y sencilla donde los acontecimientos son consecuencia inevitable de las pasiones de los personajes.

 

Molière, por su parte, nació en 1622 en Francia y fue un hombre entregado al teatro con toda el alma. Recorrió el país junto a una compañía teatral realizando labores de autor, actor y director durante más de 15 años. Se caracterizó por ser un hombre con capacidades innatas para el teatro, con una imaginación y una fuente inagotable de ocurrencias, que le permitieron gozar de gran popularidad, manteniendo a su público siempre alerta, pendiente de nuevas buenas representaciones teatrales, donde se les aseguraba la risa y el goce detrás de personajes irónicos pero sin escaparse del todo del realismo. Entre sus obras más famosas se encuentran “El misántropo”,”Don Juan” y “El enfermo imaginario”. Cuando se lo nombra, se habla del universo de Molière, sumamente rico y realista, mejor que el que cualquier autor haya podido crear jamás.

EVALUA TUS CONOCIMIENTOS DEL TEMA

has click en la siguiente imagen para evaluar tus conocimientos:



SESION 04

EL TEATRO

INICIO

Para iniciar esta cuarta sesion de aprendizaje visualizaremos el siguiente video:

Responde las siguientes interrogantes:

1. ¿Es teatro o es un musical?
2. ¿Que partes del cuerpo se utiliza para realizar esta presentacion?
3. ¿Que otro elementos se utiliza en esta presentacion?

Atento:

1. ¿Conocias este genero teatral?
2. ¿Sabes donde se origino este genero teatral?

PROCESO

TEATRO NEGRO

 

Podemos puntualizar que el teatro negro es una escenificación que se lleva a cabo en un espacio totalmente oscuro y en condiciones lumínicas especiales, utilizando la "luz negra". Esta luz hace que ciertos tejidos, materiales y colores resalten, sumergiendo al negro en la nada.

Los contrastes de luces con la oscuridad más absoluta permiten que las personas u objetos vestidos totalmente de negro se hagan invisibles; de igual forma hacen aparecer cualquier material fluorescente, posibilitando lo que nosotros hemos dado en llamar "trampantojos" o milagros escénicos. A partir de aquí nuestra imaginación puede volar.

 El Teatro Negro se basa fundamentalmente en la combinación del negro y los colores fluorescentes. Usaremos el negro para todo aquello que no queramos ver y los fluorescentes para destacar las imágenes que expresen los movimientos o las ideas a representar.

 

¿QUÉ ES?

 

El teatro negro es originario de la antigua China donde desde hace cientos de años ya se comenzó a desarrollar esta expresión artística que se popularizó con la compañía teatral de Praga.

Estas obras se desarrollan en un escenario que se encuentra completamente de negro, donde mediante un juego de luces y contrastes de colores se van generando y desarrollando las diferentes acciones.

Pueden ser obras con diálogos o las más comunes son aquellas que son completamente mudas y que llevan un acompañamiento sonoro.

Los actores de teatro negro se visten totalmente de negro y utilizan colores que resalten diferentes partes del cuerpo, lo que se hace con colores como el blanco o tonalidades flúorecentes (flúo) que contrastan con las luces.

Este tipo de obras crean ilusiones ópticas y excelentes efectos visuales, donde mediante la creatividad se puede conseguir cualquier cosa ya que no hay límites para las acciones.

 

EL TEATRO NEGRO DE PRAGA

 

El grupo de teatro negro de Praga es la mejor compañía del mundo en este tipo de obras y hace giras por todo el mundo cada vez que estrena en cartelera un nuevo guión.

Son expertos en la técnica llamada “caja oscura”, donde mediante una serie de objetos flúo logran un perfecto efecto en el que parece que los actores están flotando en el aire.

 

UN POCO DE HISTORIA

 

El teatro negro moderno nació en los años 50, principalmente a través del artista vanguardista francés George Lafaille, que a menudo se le llama el ` el padre del teatro negro. Muchos titiriteros checos de los grupos de “Salamandr” y ` Spejbl y Hurvinek ' vieron sus funciones en 1955 y llevaron esta invención de vuelta a su país nativo.

El primer grupo de la familia del teatro negro en Praga fue fundado en 1959 por Sr. José Lamka y señora Hana Lamkova. Un año más tarde en 1960 el Sr. Jiri Smec dejó a este grupo y fundó su propio teatro. Y finalmente, no debemos olvidarnos de los gigantes de la escena de la época tales como Stanislavski que en su famosa presentación de “Pájaro azul” también utilizó este truco.

Después de la invención de la lámpara ultravioleta, durante la era hippie de los 60s y 70s, se convirtió en una moda entre la gente joven que buscaba nuevos colores para representar el término "libertad". En esta época del “nuevo” tipo de teatro, la oscuridad total era necesaria, junto con una cantidad masiva de material negro y de pintura negra para proporcionar un fondo negro, así como la iluminación ultravioleta para el resto de colores (visibles) fluorescentes.

La iluminación ultravioleta, también llamada iluminación negra porque proporciona una fuente de luz invisible en condiciones de completa oscuridad, junto con los pasillos oscurecidos del teatro cubiertos con los materiales negros, proveyó a este tipo especial de teatro con su nombre: “Teatro de Luz Negra”.

Este siglo XXI es una época de tecnologías que se desarrollan rápidamente y el “Teatro Negro multimedia” esta más que listo a revelar todas sus maravillas al mundo. Hoy está Listo para usar en una plataforma multimedia. Hay muchas facetas y usos para este tipo de teatro. Desde una demostración straight-forward de marionetas hasta una presentación completa de multimedia. Usted solo podrá lograr lo que sea capaz de soñar. Imagínese sumergido en un mundo de luces, magia y fantasía y experiméntelo para sí.

 

¿CÓMO FUNCIONA?

 

Nuestros ojos pueden ver la luz en un rango espectral que va desde el rojo pasando por el naranja, amarillo, verde, azul y violeta. Después del violeta está la luz ultra violeta la cual no podemos ver. El principio del teatro de luz negra es una ilusión óptica conocida como el truco de la caja negra el cual toma ventaja sobre esta imperfección del ojo humano: ya que el ojo no puede distinguir el negro sobre negro. En el teatro de hecho el truco es muy simple. Para hacer del truco de la caja negra una base lo suficientemente fuerte para una presentación de teatro, Esta debe convertirse en el tema central así como en su fin. Esto significa que en vez del efecto del truco ser la conclusión de la historia, este debe convertirse en el punto de partida del drama en si.

Este concepto ha creado todo un nuevo lenguaje escénico. La técnica es usada, así como los actores volando por el aire directamente en frente de la audiencia, una combinación con amplias proyecciones escénicas, actores en vivo y enormes títeres, así como el uso de elementos artísticos como música en vivo y cantantes como un elemento esencial que complementa todo el performance visual.

Los elementos imprescindibles para desarrollar esta técnica son:

 

El material.

El cuerpo.

El espacio.

El apoyo musical.

 

DESARROLLO DE LA TÉCNICA:

 

Manipulación de material: Los objetos construidos o adaptados se mueven por el espacio, adquiriendo protagonismo y alcanzando características animadas logran cobrar vida propia. El uso de materiales no requiere en principio conocimientos dramáticos o expresivos, ya que el alumnado va totalmente de negro. Técnicamente no hay requisitos que requieran grandes dificultades. Lo que se ve son las evoluciones de los objetos manipulados.

El cuerpo: Podemos distinguir dos conceptos: Como instrumento que da vida al material, al que denominamos cuerpo invisible, y como propio cuerpo ejecutor del movimiento expresivo o cuerpo visible. Empezamos con el trabajo del cuerpo invisible para que el alumnado se desinhiba y comience a expresarse con libertad. Un vez conseguida la fluidez de movimientos, la asimilación de la técnica, pasaremos a trabajar progresivamente con el cuerpo visible utilizando en principio aquellas partes del cuerpo más fáciles de mover: manos, brazos, pies, piernas y destacándolas con colores fluorescentes.

El espacio: Respecto al espacio tendremos en cuenta: las características del espacio físico y la organización espacial, el lugar donde se mueve el actor.

Respecto al primero tendremos en cuenta las siguientes consideraciones:

Tiene que estar totalmente a oscuras, todo el espacio negro: techo, paredes y suelo. Si no fuera posible, es imprescindible que la pared del fondo sea negra.

Ubicar la luz negra en sitio adecuado y cómodo

Referente al trabajo espacial es fundamental la experimentación con los diferentes niveles de trabajo, la utilización del espacio, los agrupamientos y las posturas abiertas y cerradas.

Ya hemos nombrado que el cuerpo para hacerse invisible tiene que estar de negro. Pero realmente no es invisible, tiene un volumen y por lo tanto ocupa un espacio que hay que tener en cuenta en la organización espacial. El cuerpo desaparece siempre y cuando todo lo que esté detrás de él sea negro.

El apoyo musical: La música tiene la capacidad de transportarnos a otros mundos, para experimentar nuevas vivencias y sensaciones. Por ello, tenemos que aprovecharla como apoyo imprescindible en nuestra actividad.

Al actor, el apoyo musical le estimula y ayuda en su trabajo expresivo, le obliga además, a conocer otros estilos musicales disímiles de los que escucha normalmente ampliando así sus conocimientos y gustos.

Observa el siguiente video de variacion del teatro negro :

EVALUATE:

Para evaluarte has clic en la siguiente imagen: